sábado, 5 de septiembre de 2009

PINTURA GÓTICA ESPAÑOLA S. XV: BARTOLOMÉ BERMEJO

Bartolomé Cárdenas, conocido como Bartolomé Bermejo (Córdoba, hacia 1440 – Barcelona, hacia 1498). Es considerado como uno de los más importantes artistas góticos españoles. A pesar de ello, no se conocen muchos datos de su vida. Se sabe que nació en Córdoba pero desarrolla su obra en Aragón, Valencia y Cataluña. Por su estilo hispano-flamenco pleno se supone que estudió en Flandes. Así su estilo está influido por la escuela flamenca no teniendo nada que nos indique su origen andaluz, en particular por Roger van der Weyden, Jan van Eyck y Dierick Bouts, que probablemente fue su maestro. Rasgos flamencos en su arte son el dominio de la perspectiva, la representación minuciosa de los detalles y la óptima técnica al óleo. Otros rasgos son su profunda fuerza y el naturalismo en el paisaje.

Ignorado por la historiografía del arte durante siglos, el descubrimiento de este pintor se remonta a principios del siglo XX. Hoy en día, Bermejo es uno de los más conocidos pintores españoles.


Su estilo es robusto, viril y dramático, se caracteriza por una profunda gravedad, que convive con el refinamiento lírico tan típico del genio español. Modela sus figuras con carácter escultórico.

"San Miguel Triunfante sobre el demonio" (1468), óleo sobre tabla, National Gallery, Londres. Probablemente se trata del panel central del retablo de la Iglesia de San Miguel en Tous, Valencia. El donante es Antonio Juan, señor de Tous, que lleva los atributos de señor de la guerra, aparece portando el Salterio en los Salmos 51 y 130. La técnica de los flamencos se deja ver en la manera en que Bermejo trata los brillos del cristal y del metal, así como en los rostros de las figuras.
"La Virgen de la leche" (Virgen Galaktrophousa), Valencia. Óleo sobre tabla. Debió pertenecer al retablo de la Iglesia de Santo Domingo en Valencia, siendo uno de los ejemplos de la actividad de Bermejo en Valencia junto con el San Miguel de Tous. Su temática estaba muy extendida en la pintura valenciana y que llegará hasta el Barroco. La imagen de María amamantando a Cristo niño subraya el carácter de intercesora de la Virgen. Este icono mariano sobre fondo dorado presenta múltiples similitudes estilísticas con otras obras de Bermejo. A ello responde el tipo de dibujo con trazos gruesos y enérgicos marcando líneas anatómicas y perfiles, el énfasis por mostrar la calidad de las texturas de las mangas de armiño, el galón de perlas y gemas o el damasco actualmente oculto del manto, así como el tipo de plegado y la expresión de espontaneidad y viveza del rostro del Niño, que enlaza a la perfección con la caracterización de los afectos en la producción de Bermejo.


"Cristo en el Sepulcro sostenido por dos ángeles" (1468-1474, Castillo de Perelada, Barcelona), en éste caso observamos la influencia de Roger Van der Weyden.
"Santo Domingo de Silos" (1474-1477) Museo del Prado, Madrid. Formaba parte de un retablo que se realizó para la iglesia de Daroca, en Zaragoza, España. Aparece entronizado en un trono estilo gótico, el detallismo del estilo hispano-flamenco se puede comprobar en la forma en la que está realizado el trono. Lo llena de hornacinas con figuras de las siete Virtudes: las Virtudes Teologales (Fe, esperanza, caridad) y las Virtudes Cardinales (prudencia, justicia, fortaleza y templanza) lo que recarga todavía más la pintura. El rostro muestra dureza mediante la realización del mentón, muy recio y con estudio del volumen, destacando magníficamente sobre el dominio de tonos dorados del trono. Lo viste como obispo y la capa tiene mucho recargamiento y detallismo, siendo todo un ejemplo de realización pictórica. Realiza el nimbo con rallos finos siguiendo la tradición flamenca.

"La Resurrección de Cristo" y "Descenso de Jesús al limbo" (1475) Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona, España. El fondo de la pintura de la Resurrección nos muestra la maestría de Bermejo a la hora de realizar los paisajes, con realismo y detallismo mucho más acusado que en el caso de Fernando Gallego.

"Retablo de Santa Engracia" (1474-1480), hoy dividido en tablas y repartido en varias colecciones del mundo. "Santa Engracia" (1474-1480), Boston, EEUU.


Cricifixión, pertenecía al Retablo de Santa Engracia, hoy se encuentra en la Iglesia Parroquial de Daroca.

"Martirio de Santa Engracia" (1474-1480) también perteneciente al Retablo de Santa Engracia, se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, España.
"El Milagro de la Nieve" (1479-1484) Realizado para el retablo de El Pilar de Zaragoza.
"Tránsito de la Virgen" (1460-1462, Staatliche Museen Berlín, Alemania). Se puede apreciar la influencia de Hugo Van der Goes.
"Adoración de los Reyes" y "La Santa Faz" Capilla Real de Granada, España. Realizados para Isabel la Católica junto con el retrato de la Reina. "Retrato de Isabel la Católica" Palacio Real de Madrid, España. Atribuído a Bermejo, parece que lo realizó al tiempo que las tablas para la Capilla Real de Granada.
"Cristo guiando a los Patriarcas al Paraíso" (1480, Instituto de Arte Hispánico, Barcelona). Muestra su gran formación flamenca, pero al mismo tiempo añade aspectos hispánicos en las figuras: robustas, viriles, dramáticas, con un refinamiento típico del maestro hispano. La imagen muestra la bajada de Cristo a los infiernos para liberar de la muerte a los Patriarcas anteriores a su venida, así podemos ver a Adán y Eva, el rey David, etc. La pintura ya muestra aspectos renacentistas que empezaban a introducirse en el Arte Español (la puerta con casetones y el muro).
"San Agustín en su estudio" (1475-1485), Chicago, EEUU. Óleo sobre madera.


"Retablo de la Virgen de Montserrat" (1485, Catedral de Acqui Terme, Piamonte, Italia). Encargo de Francesco della Chiesa, mercader de la ciudad de Acqui que aparece de rodillas junto a la imagen de la Virgen. El retablo fue terminado por Rodrigo de Osona, que realizó los paneles laterales.


"La Piedad" (1490), firmado por "Bartolomeus Bermejo Cordubensis" perteneció a un monumento funerario para Canon Desplá, que lo encargó. Se trata de uno de sus últimos trabajos. Aparece el donante en pequeño tamaño a la derecha, representado de forma realista. Bermejo parece dar mayor importancia a los fondos que otros autores españoles. Lo realiza utilizando la perspectiva inversa y la jerarquización para resaltar la figura de Cristo y su Madre. Se trata de figuras muy hispanas pero el enfoque es flamenco.

PINTURA GÓTICA ESPAÑOLA S. XV: FERNANDO GALLEGO


FERNANDO GALLEGO (Salamanca hacia 1440-1507) Es el autor más importante de la pintura medieval española, siendo seguidor del estilo Hispano-Flamenco. Crea su propio taller que se convierte en el principal referente de su época en España, gracias a lo cual su obra es extensa, debiéndose en gran parte al trabajo de su taller. Utiliza principalmente témpera sobre madera, pero usará también el óleo en su etapa final. Sus principales influencias vienen de Dieric Bouts y Roger Van der Weyden. Parece seguro que viajó a Holanda donde se puso en contacto con el arte flamenco.


Empezamos por dos obras que hasta épocas recientes se habían atribuido a Fernando Gallego pero cuya autoría se ha puesto en duda, dándose por seguro que no son suyas.


"Martirio de Santa Catalina", Museo del Prado, Madrid. También se pone en duda la autoría de Gallego. Su martirio fue con unas ruedas punzantes, martirio del que fue rescatada por ángeles mientras que sus verdugos caían espantados. Tiene un tratamiento del desnudo suave, resaltando la paz en el rostro de la santa, mientras que muestra gran expresividad en los rostros de los verdugos. El paisaje de fondo es el típico en los cuadros de Gallego, ligeramente acartonado y con proliferación de edificios medievales. Muestra gran detallismo, destacando la figura del perro en primer plano, mostrando cierto gusto por lo anecdótico. La vestimenta de los jueces que aparecen a la izquierda es detallista.

"Crucifixión" Museo del Prado. Para algunos autores está falsamente atribuida a Gallego y realmente es obra del Maestro de Ávila. Es una de las obras en las que se ve más claramente la influencia de Van der Weyden. Como en la mayoría de las obras de Gallego en las que pone ambientación, los fondos son de paisaje muy acartonado, con la representación de Jerusalén. Composición triangular y profusión de sangre, algo que será muy típico en las representaciones de la Pasión en los Reinos de Castilla y de León, sobre todo en el Barroco. La imagen de María muestra gesto de dolor, pero su mirada parece fuera de la escena. No así San Juan, que muestra gesto de dolor mirando al Crucificado.

"Tríptico de Santa Catalina", Museo Diocesano de Salamanca. Obra plenamente atribuída a Gallego. Muestra a la santa en la tabla central entronizada en un trono gótico. En los laterales las escenas del martirio.






"Retablo de Ciudad Rodrigo", Dallas, Texas. Se encuentra desmembrado y aunque el mayor número de tablas se encuentra en Texas encontramos algunas en otras estados norteamericanas como Washington, Ohio, Arizona, etc. El retablo hace un repaso por los capítulos principales del Antiguo y el Nuevo Testamento. Como el caso de "La Creación de Eva", muestra un desnudo poco realista, sin nungún interés por el estudio anatómico.



"La Circuncisión"



"Jesús con los doctores en el Templo"



"El milagro de las bodas de Caná"



"Jesús y la Samaritana"



"La Resurrección de Lázaro"



"La Última Cena"


"La Resurrección de Jesucristo"



"El Juicio Final"



El banco del retablo mostraba imágenes de los apóstoles, es el caso de "San Bartolomé y san Juan".


"Coronación de la Virgen" (Posterior a 1480), procede de la Iglesia de Villaflores, hoy en el Museo Diocesano de Salamanca. Alrededor de María aparecen imágenes de los patriarcas y profetas, que parecen retratos de personajes contemporáneos de Gallego. Se trata de una tabla que probablemente no perteneciera a un retablo mayor, sino que se trata de una obra independiente.



http://es.geocities.com/sobrefernandogallego/imgobras/extranjero/eeuu_tx_ciudadrodrigo.html

"Laterales de Altar de la Iglesia de Campo de Peñaranda" (1480-1485) hoy en el Museo Diocesano de Salamanca. Destaca la representación de "La Flagelación de Cristo". Utiliza las lineas de los azulejos del suelo para aplicar la perspectiva lineal. La imagen de Cristo aparece en el centro y en mayor tamaño que las demás. Estudio anatómico suave. Se centra principalmente en las expresiones, de tristeza y dolor en el caso del Señor, de odio en el caso de los que le flagelan. Y la representación de "La Natividad", de figuras estilizadas.



"Retablo de la Virgen de la Rosa" (hacia 1480) Museo Diocesano de Salamanca. Vemos el panel central de este ratablo del que forman parte otras 4 tablas más: David, Isaías, San Cristobal, San Andrés. Se considera una de las mejores obras de Gallego, y es una de las pocas que aparece firmada. La Virgen aparece entronizada en un trono gótico y entrega una rosa a Jesús niño, pero aparte de ésto no hay mayor relación entre las figuras ya que la mirada de María aparece distraída. Debajo vemos la imagen de "San Cristobal" que pertenece a éste retablo.



"San Juan Bautista" Rijksmuseum Twenthe, Enschede, Holanda. Témpera sobre madera. Aparece con el manto rojo símbolo de martirio.

"Epifanía" Museo Nacional de Arte de Cataluña, España.



"Retablo de la Catedral de Zamora", hoy desmantelado. Destacan tablas como "La Epifanía" y "Pentecostés"







"Virgen con el niño" Museo de Louvre, París. Muestra una obra muy madura de Gallego, ya que hay mayor estudio del volumen y el espacio. Hereda del arte Flamenco el diseño de los azulejos del suelo que ayudan al estudio de la perspectiva lineal. Sinembargo los nimbos dorados son típicos del gótico.


"La Piedad" (hacia 1470), Museo del Prado. Composición piramidal que es típica de las representaciones renacentistas posteriores. Muestra un incipiente estudio anatómico en la figura de Jesucristo, aunque muestra rigidez y hieratismo, siendo una figura poco naturalista al gusto de la época. Utiliza el color rojo para acentuar el dolor, como símbolo de la Pasión de Cristo, pero también lleva el manto azul de Gloria, lo que contrasta con el pálido color del cuerpo del Señor. Tras ellos la Cruz símbolo del martirio. Muestra ambientación aunque se trata de un paisaje acartonado sin precisión en la perspectiva, el fondo muestra una población amurallada desconocida, aunque intenta representar la ciudad de Jerusalem. Aparecen las figuras de los donantes en menor tamaño para destacar las figuras centrales de Cristo y su Madre (jerarquización). Los donantes aparecen cantando el "Miserere mei Domine" (Señor, ten misericordia de mí) Salmo 50. Muchos ven en éste cuadro la influencia de Roger Van der Weyden. Es visible la firma del autor.



"Retablo de Trujillo", Cáceres. Muestra escenas de la vida de Cristo.


"Epifanía", (hacia 1480) Toledo Museum of Art, Ohio, EEUU. Tiene influencia de Dieric Bouts. Las figuras son menos rígidas, tienen mayor volumen que en otras obras de Gallego.


"La Virgen de los Reyes Católicos" (hacia 1490-1495), Museo del Prado. No hay acuerdo sobre la autoría de Fernando Gallego, muchos creen que fue realizado por uno de sus seguidores. Originalmente se encontraba en el Retablo del Monasterio de Santo Tomás, en Ávila. En el centro aparece la Virgen con Jesús niño entronizada en un trono gótico. A la izquierda vemos la imagen de Santo Tomás, junto a él de rodillas el Rey Fernando el Católico, el infante Don Juan y detrás el inquisidor general. A la derecha aparece la imagen de Santo Domingo tras la Reina Isabel que aparece de rodillas junto a una de las infantas y un dominico.


"Cristo en Majestad" (1492, Museo del Prado, Madrid). originalmente se encontraba en la Iglesia de San Lorenzo, en Toro (Zamora), probablemente formara parte de la capilla funeraria de Pedro de Castilla y de su esposa, Beatriz Rodríguez de Fonseca y Ulloa. Entronizado en un trono de estilo gótico, aparece con el gesto de bendición y el globo, símbolo del Mundo, en la mano izquierda, rodeado por el Tetramorfos. A la izquierda un personaje masculino que representa la Iglesia, portando el cáliz y la Sagrada Forma y coronado por una corona de laurel (victoria de Cristo sobre el mal con su Crucifixión y Resurrección), a la derecha una imagen de mujer que simboliza la Sinagoga, portando las tablas de la ley y portando un estandarte amarillo. Lleva el manto rojo de la pasión, resaltando así el carácter salvador de Cristo. El Tetramorfos: San Juan-Águila, San Lucas-Toro, San Marcos-León y San Mateo-ángel.


"La Piedad" (hacia 1490-1500) Museo Paul Getty, los Ángeles, EEUU. Óleo sobre tabla. Hay expertos que ponen en duda que sea obra de Gallego, atribuyéndola a alguno de sus seguidores. Muestra más interés en la representación del dolor y el sacrificio que en los fondos, que al igual que en la Piedad del Prado son acartonados y poco precisos. Busca más el impacto emocional y sicológico de la representación para mover al espectador, tratando de eliminar cualquier otro detalle que le distraiga de la escena central. De nuevo aparece la Cruz como símbolo de martirio, la composición piramidal y el pálido color del cuerpo del Señor, pero no utiliza el rojo para marcar el sufrimiento, sino el negro. Apoyadas en la Cruz aparecen dos símbolos de la Pasión: la lanza que atravesó el corazón del Señor y la caña con la esponja con la que dieron de beber a Cristo. El fondo aparece salpicado de casas medievales que pueblan el campo atravesado por un río. El rostro de María muestra gran dolor, que se refleja en un gesto de llanto. Cristo muestra sus ojos abiertos, inexpresivos y ciegos.


"Bóveda celeste" Universidad de Salamanca, España. Su última obra la realizó para la Universidad de Salamanca, se trata de una pintura al fresco realizada en dicha universidad que representa los signos del zodíaco y la bóveda celeste. Es una pintura con mucha carga profana, lo que no era usual en la época.